Avec « Dansez ! Chantez ! 7 minutes à l’Opéra de Paris », nous vous proposons des incursions originales dans la programmation de la saison à la faveur d’émissions produites par France Musique et l’Opéra national de Paris. Pour chacune des productions d’opéra et de ballet, Judith Chaine pour le lyrique et Stéphane Grant pour la danse, vous introduisent, avant votre passage dans nos théâtres, aux œuvres et aux artistes que vous allez découvrir.  

Prise de rôle pour l’un, reprise pour l’autre, mais même certitude : le personnage de Roméo est l’un des plus redoutables du répertoire classique par la complexité de sa chorégraphie et l’un des plus passionnants par sa théâtralité. Hugo Marchand, qui l’interprète pour la première fois, et Josua Hoffalt qui, blessé, a dû renoncer aux représentations, nous livrent leurs impressions.

Hugo Marchand : Dans la pièce de Shakespeare, Roméo apparaît dès le premier acte comme un personnage romantique, amoureux de l’amour, déprimé parce qu’il n’a pas ce qu’il veut (l’affection de Rosaline)... Ces ingrédients ne se retrouvent pas dans le ballet. Au contraire, dès son entrée en scène, Roméo donne le sentiment d’être quelqu’un d’assez narcissique, sensible mais plutôt content de lui, entouré d’amis avec lesquels il s’amuse bien. Un peu « bad boy » finalement…

Josua Hoffalt : Je l’imagine comme un personnage naïf, plutôt sympathique. Chaque rôle, dans le ballet, représente une qualité, une émotion, une facette de l’être humain. Roméo serait la pureté. Il vit tout au premier degré, avec spontanéité et sans distance. C’est un rêveur. 

H. M. : J’ai lu la pièce, je suis allée la voir à la Comédie-Française, j’ai vu le film de Zeffirelli plusieurs fois, j’ai regardé tout un tas de vidéos du ballet... J’ai répété avec Clotilde Vayer qui m’a enseigné les pas et les figures. Ce n’est qu’après que l’on apprend à utiliser son corps de manière à exprimer telle ou telle émotion, une sensation ou, tout simplement, la théâtralité d’un geste. Patricia Ruanne, qui a participé à la création avec Rudolf Noureev, est aussi venue plusieurs fois. Ses explications étaient de vraies paroles d’or : précises, claires, efficaces.

Dans sa chorégraphie, Noureev a conçu des passages fidèles, mot pour mot, à des répliques de la pièce. Par exemple, dans la scène du balcon, Roméo jure sur la lune qu’il aime Juliette. Juliette lui répond : «Non, ne jure pas sur la lune, elle est trop inconstante. Jure sur ton cœur ». Nous utilisons alors la pantomime pour traduire ces paroles. Un peu plus tard, au début de l’acte III, Juliette se couche et la mort vient se pencher sur elle. Dans la pièce, Juliette dit que son lit nuptial sera son tombeau. Il y a donc des moments où la chorégraphie est une traduction presque littérale.

J.H. : Pour cette reprise, je n’ai pas du tout travaillé de la même façon qu’au moment de ma prise de rôle en 2011. La première fois, je m’étais replongé dans le livre, dans le film, j’avais essayé de voir et d’avoir le plus de références possibles. Cette fois-ci, j’ai fait tout l’inverse ! Je n’avais pas du tout envie de me replonger dans quoique ce soit mais plutôt de me baser sur le découpage de Noureev et sur sa propre conception.

J. H. : La partition est extrêmement narrative. Les thèmes sont récurrents, associés à certains personnages et ils reviennent, traités de façons différentes, tout au long de la pièce. C’est une structure qui aide à se glisser dans la peau du personnage, à basculer dans l’histoire.

H. M. : La ligne musicale est absolument sublime, tout est dit dans les notes. On peut s’en servir comme point d’appui : cela fait naître des émotions dont on peut se servir pour l’interprétation.

H. M. : C’est un ballet auquel j’ai beaucoup rêvé et j’étais content de savoir que j’allais le danser. Mais c’est aussi un ballet qui peut faire peur par sa difficulté technique. Je pense qu’une fois qu’on a interprété Roméo, on peut tout faire ! Il faut résister physiquement sur deux heures de spectacle, dans une chorégraphie compliquée… C’est un gros challenge. Mais c’est aussi formateur. La théâtralité du rôle nous oblige aussi à être honnêtes, à aller chercher en soi pour nourrir le personnage. Ce qui chamboule finalement pas mal.

J. H. : Roméo passe de la naïveté à la tragédie. Pour les interprètes masculins, les passages les plus durs se situent aux deux premiers actes. L’équilibre entre théâtralité et rythme chorégraphique se rétablit au fur et à mesure. La mort est un moment particulier. Il faut avoir un peu « d’appétit » pour interpréter ce passage, c’est pourquoi je n’aime pas trop le répéter. C’est épuisant émotionnellement et il faut savoir garder une forme de spontanéité pour proposer quelque chose de nouveau à chaque représentation. Il y a à la fois des éléments très cadrés : il faut mourir sur une note bien précise, la scène se passe sur le lit, au fond du plateau de Bastille ce qui nécessite d’être attentifs à être vus et compris du public ; et en même temps, nous avons une part de liberté et d’improvisation, une place pour glisser quelque chose de personnel.

Propos recueillis par Inès Piovesan