Créée en 1999, la production de Dominique Pitoiset de Falstaff revient sur la scène de l’Opéra Bastille. À l’occasion de la dernière reprise, le metteur en scène évoquait sa mise en scène, débordante de vie et de charme.  

Shakespeare a été ma porte d’entrée dans Falstaff. À l’époque de la création de cette production, j’ai connu de beaux succès au théâtre avec Peines d’amour perdues, La Tempête ou Macbeth. Je sortais de l’école allemande et avais été assistant de Karge et Langhoff puis de Giorgio Strehler, qui, lui-même, avait été assistant de Bertolt Brecht. Mon approche de Verdi s’est ainsi faite via le théâtre concret, post brechtien. Nous réfléchissions sur la médiation d’objets, comment démultiplier les points de focalisation du jeu avec des chanteurs. Ce qui fonctionnait plutôt bien avec Verdi puisque chez lui les déplacements sont musicalisés, dictés par l’écriture musicale.

J’avais abordé cette commande avec la conviction qu’il ne fallait pas faire quelque chose de trop contemporain, tout en ayant conscience qu’une esthétique élisabéthaine dialoguerait très mal avec la musique de Verdi. Il m’avait semblé intéressant de jouer des décalages en convoquant en scène un univers visuellement plus proche de Verdi que de Shakespeare. C’est une production du siècle passé avec son esthétique, très éloignée de celle de mes projets actuels. Mon parti pris serait différent si je devais remonter l’œuvre. Cependant, en revoyant la scénographie, je lui ai trouvé beaucoup de charme et me suis replongé dans le projet comme on redécouvre une vieille bande dessinée laissée sur une étagère, avec beaucoup de plaisir.

Cette scénographie est pleine des fantômes de ceux qui l’ont habitée, et ils sont nombreux. À l’opéra, l’histoire des reprises est chargée de mémoire et d’humanité. Si la production a fonctionné et perduré, c’est grâce à la communauté des artistes et des services techniques qui ont maintenu le propos vivant. C’est une chose que nous, metteurs en scène, ne voyons pas. Une fois la première passée, nous tournons généralement la page, nous relâchons la pression et passons à autre chose.

Les ajustements se font toujours en fonction de la relation qu’entretiennent les nouveaux chanteurs avec leur rôle, de ce que permet leur interprétation, de la façon dont ils bougent. Avec le temps, j’ai appris à les observer. Cela me permet de faire des ajustements et de les guider sur des voies évolutives. Si vous regardez l’histoire des reprises de cette production, nous avons eu des Falstaff et des Alice, par exemple, très différents. Il faut être à l’écoute des singularités et des demandes des artistes. L’opéra est un monde où, avec des temps de répétition très courts, chacun joue sa côte en bourse, la peur au ventre. Au fil des années et des projets, mes propres peurs se sont doucement effacées, et j’ai aujourd’hui grand plaisir à accompagner les interprètes pour qu’ils se confrontent plus paisiblement à leurs craintes.

En ouvrant l’album des souvenirs de cette production, je repense au film d’Orson Welles, et à cette scène géniale, d’une grande justesse dans le jeu, lorsque le jeune roi accède au trône. Falstaff, qui le connaît bien, est présent dans la foule et lui fait signe, essayant d’attirer son attention. Or le souverain fait semblant de ne pas le voir et l’ignore magistralement. Ce plan résume à lui seul ce qu’est Falstaff - un bouffon pour qui le monde n’est qu’une farce - et correspond, je crois, à ce qui a profondément touché le maestro Verdi.

Mis en scène par Tobias Kratzer pour la première fois en 2020, Faust a véritablement été découvert par le public en 2022. Cette production, revisitée de manière contemporaine, utilise des techniques de son temps : les projections vidéo rythment l’histoire et participent pleinement à la narration. À de l’occasion sa reprise sur la scène de l’Opéra Bastille, Octave a rencontré Mathilde Jobbé Duval, cheffe d’équipe opératrice vidéo-son, qui nous présente plusieurs dispositifs : la caméra live et les projections de face.

Je travaille à l’Opéra depuis 17 ans. Aujourd’hui, je suis responsable de spectacles en tant qu’opératrice son et vidéo. Je n’interviens pas au début du processus de création, mais au moment des premiers filages techniques et des répétitions en scène. Mon travail, avec toute l’équipe, est d’étudier la faisabilité du projet et de mettre tout en œuvre pour qu’il prenne vie. C’est toujours très agréable de participer à des créations parce qu’on travaille vraiment à construire quelque chose avec le metteur en scène et ses équipes.

Pour Faust, le metteur en scène, Tobias Kratzer et le vidéaste, Manuel Braun, ont imaginé un dispositif vidéo ambitieux. Une projection de face sur un tulle couvrant tout le cadre de scène, mêlant des images préalablement créées et des vidéos live.

La plupart des vidéos ont été tournées par drone dans les rues de Paris pendant le confinement. D’autres sont issues de stockshot d’archives. Pour la scène de « La Chevauchée », deux figurants incarnant Faust et Méphistophélès ont tourné les images en costumes sur l’avenue des Champs Elysées, de nuit. Manuel Braun choisit aussi d’utiliser des effets spéciaux pour animer certaines images. C’est le cas du tableau présentant Notre-Dame de Paris en flammes.

Une fois que toutes ces images sont tournées et montées, et que Tobias Kratzer et Manuel Braun ont sélectionné les plans qui apparaissent à l’écran, mon travail consiste à construire la projection et à la rendre la plus réussie possible. J’apporte des corrections de couleurs, d'angles, de recadrage et d'harmonisation des formats. L'essentiel de mon travail est donc préparé en amont du spectacle pour que lors de la représentation, tout s'enchaîne de manière fluide. Puis, pendant le spectacle, je veille au bon déroulement de la diffusion.

L’un des dispositif vidéo le plus utilisé est la caméra live. Les solistes sont filmés en direct par deux cadreurs qui sont deux des figurants jouant les rôles des démons de Méphistophélès. Je suis en contact avec eux pendant toute la représentation pour les aider lors de leurs déplacements et vérifier que le cadre est propre avant d’être projeté live, en fonction du retour caméra que je vois depuis mon poste de régie. Ce dispositif est utilisé dans la scène de « L'air des bijoux de Marguerite », mais aussi dans l'appartement de Dame Marthe ou encore dans le métro.

Je suis aussi en contact avec la stage manager qui me donne les "top". C’est-à-dire qu’elle m’indique les moments exacts auxquels je dois lancer les images, en fonction des repères musicaux. Dans le cas des scènes live, les enchaînements caméra ont été définis à la création avec la première interprète de Marguerite (ndlr: l'interprète en 2021 était Ermonela Jaho et en 2022, Angel Blue). Les deux artistes n'effectuent pas exactement les mêmes mouvements, il faut donc savoir adapter l’enchaînement des

images en fonction de chacune. Cela reste du direct ! Pour résumer, en tant qu'opératrice vidéo, je suis attentive aux mouvements des artistes et la stage manager, à la musique.

La mise en scène de Tobias Kratzer est très lisible, l'histoire est racontée de façon littérale donc les vidéos sont assez réalistes. Bien sûr, certaines scènes sont plus fantasmées que d'autres comme celle de « La Chevauchée ». Mais cela reste de la vidéo de narration, chaque image fait avancer le récit.