Avec la création à l’Opéra de Paris de Tree of Codes en 2017 sur la scène du Palais Garnier, le ballet d’Olafur Eliasson, Jamie xx et Wayne McGregor revient à l’Opéra Bastille du 26 juin au 13 juillet. À nouveau, un champ de perceptions inexplorées s’ouvre aux spectateurs. Intarissable chercheur et ardent défenseur d’une danse toujours en mouvement, Wayne McGregor continue de parcourir d’innovants langages chorégraphiques, au croisement des arts plastiques, d’une technologie scientifique et d’une création toujours plus inventive. Portrait.

Tous les chorégraphes possèdent leur propre style. Mais difficile de ne pas reconnaître un ballet du chorégraphe britannique Wayne McGregor : longues et élégantes distorsions, extrême articulation du corps, mouvements totalement inattendus. Dans ses pièces, quel que soit le thème, les danseurs nous apparaissent toujours divinement beaux et étonnamment étranges. S’ils sont manifestement humains, leur corps vient d’un autre monde.

Tree of Codes, qui réunit les danseurs de l’Opéra de Paris et ceux de la Company Wayne McGregor, s’inspire d’un roman de Jonathan Safran Foer. Cet auteur américain a littéralement ciselé son livre préféré (The Street of Crocodiles, de Bruno Schulz) pour en créer un totalement nouveau, en découpant les pages pour mettre en exergue les mots et les locutions pris individuellement, et ainsi donner vie à de nouvelles significations.

De toutes les créations de McGregor – y compris la fable Raven Girl, premier ballet narratif du chorégraphe –, aucune ne s’apparente aux contes de fées, aux légendes et aux mythes, ni même au pur intérêt de la forme physique, autant de thèmes qui inspirent de nombreux chorégraphes. Selon McGregor, le concept constitue le point de départ de toute création. « Je suis toujours stupéfait par les gens qui disent vouloir composer une chorégraphie sans idée en tête, explique-t-il un jour. Je trouve cela bizarre. Pour moi, créer une chorégraphie, c’est s’attacher à trouver une idée intéressante qui va nous captiver et changer notre façon de penser le monde. C’est la raison même de ce métier. »

Cette remarque donne un indice sur le moteur de sa carrière. En quête constante d’exploration, McGregor propose une adaptation rigoureuse du langage chorégraphique, tout en collaborant avec des artistes issus d’autres univers, qui nourrissent son imagination débordante et donnent vie à sa vision si particulière.

La première étape, le premier coup de pinceau sur la toile, vient toutefois de lui. Comme le souligne Kevin O’Hare, directeur du Royal Ballet de Londres, où McGregor occupe le poste de chorégraphe résident depuis 2006 : « Quand Wayne transpose un ballet sur scène, on finit par voir ce qu’il a imaginé dès le départ. Il réfléchit toujours intensément au moyen de réussir une pièce. » Cet aspect, McGregor l’explique lui-même en d’autres termes : « La chorégraphie n’est pas composée de façon isolée. Je connais l’univers qui sera dépeint, la musique qui sera jouée. J’utilise ces éléments comme un script, ou comme une boîte à outils avec laquelle je m’amuse. Je conçois donc la chorégraphie en tenant compte de ces idées, tout en étant à l’affût des occasions qui se présentent quand des événements inattendus se produisent. »  

McGregor a toujours été à part. Né en 1970, il grandit à Stockport, ville industrielle du Nord de l’Angleterre, pas forcément réputée pour sa culture de la danse, dans « un foyer tout ce qu’il y a de plus normal et stable ». Ses premières sources d’inspiration se trouvent du côté du disco et de la gestuelle de John Travolta – « son incroyable prestance, la crudité de son corps, son aisance, sa facilité ». Il excelle alors en danses de salon et danses latino-américaines. Dans l’émission de radio Desert Island Discs de la BBC, il raconte que sa première professeure a eu une influence formatrice sur lui, quand elle l’a laissé créer des variations de rumba ou autre danse traditionnelle, avant de noter la version qu’il proposait. « De ces variations pouvait naître une chorégraphie. »

Il étudie également la musique classique – il est d’ailleurs l’un des rares chorégraphes à savoir vraiment lire une partition. Sa carrière débute par un diplôme en danse, de l’Université de Leeds, en Angleterre, et par des cours de danse collectifs. Cette association entre la théorie – le diplôme – et la pratique – impliquer les danseurs – aiguise à la fois son originalité et son vif intérêt pour le pouvoir communicatif de la danse. Il entraîne le public vers de nouveaux horizons, tout autant qu’il s’y aventure lui-même.

En 1992, il fonde sa propre compagnie, Random Dance, qui s’agrandit ensuite pour devenir Studio Wayne McGregor. Il commence à créer des chorégraphies qui reflètent tout le mordant de ses qualités de danseur. Crâne rasé, grand et extrêmement souple, il est d’après un critique « capable d’exécuter des changements et des tours éblouissants ». En 2001, sa compagnie est hébergée par le théâtre londonien Sadler’s Wells. Dans Nemesis, première pièce qu’il compose pour cette salle, de longues trompes en acier (fabriquées par la société Henson’s Creature Shop) sont fixées aux bras des danseurs, les transformant en des créatures souterraines évoluant dans un univers dystopique.

John Ashford, ancien directeur du théâtre londonien The Place, affirme un jour : « Wayne est l’homme le plus curieux que je connaisse ». Son travail témoigne de cette curiosité. Dans AtaXia, créé au Sadler’s Wells en 2002, il dévoile les résultats de six mois de recherche sur le fonctionnement du cerveau, transportant ses danseurs dans des mouvements apparemment incontrôlés et agités, comme des spasmes. En 2005, avec Amu, c’est le cœur qui est examiné. Sur une partition de John Tavener, qu’il compose en s’inspirant d’une maladie cardiaque dont il est lui-même atteint, McGregor observe une opération à cœur ouvert (durant laquelle il s’évanouit) et étudie la poésie de la mystique soufie pour produire une pièce qui questionne à la fois les émotions et les fonctions du cœur humain.

Le travail qu’entreprend McGregor auprès de sa propre compagnie est souvent le plus audacieux, mais ses collaborations avec d’autres compagnies de danse enrichissent considérablement sa carrière et sa pensée. Son étroite association avec le monde du ballet débute en 2006, quand il chorégraphie Chroma pour le Royal Ballet. La pièce fait sensation. Derrière les gros titres des journaux – « Acid House à la Royal Opera House » et « punk à Covent Garden » –, un réel frisson se dégage de la collision qui se produit entre la mentalité novatrice de McGregor et la formation traditionnelle des danseurs de ballet.

Quand il accepte le poste de chorégraphe résident, marchant sur les illustres pas de Frederick Ashton et de Kenneth MacMillan, cette nomination déconcerte certains traditionalistes, et les critiques à l’égard de son travail pour le Royal Ballet ne cessent jamais vraiment. Pourtant, Kevin O’Hare est formel : McGregor a été une bénédiction pour la compagnie.

« Certains ont été choqués qu’un tel poste soit confié à un étranger, à une personne extérieure, qui n’avait pas gravi les échelons de la compagnie, raconte O’Hare. Mais j’étais très enthousiaste à cette idée, au même titre que le reste de la compagnie, et j’ai senti que cette décision conduisait le Royal Ballet sur la bonne voie. C’était important de bénéficier d’un chorégraphe contemporain tel que lui, travaillant aux côtés des danseurs, les incitant à se dépasser. Même les danseurs étaient prêts à relever le défi. Des cris de joie ont retenti dans l’opéra quand on a annoncé sa nomination : les danseurs étaient surpris, mais ravis. »

Il travaille incroyablement dur, avec dévotion et enthousiasme. Lors des répétitions avec les danseurs, il incarne une source d’inspiration, débordant d’énergie, se déplaçant à travers la salle en émettant toutes sortes de sons et en utilisant toutes sortes d’images pour expliquer ce qu’il veut. « Il parvient à inviter les danseurs à participer à la création, affirme O’Hare. Son travail n’est pas improvisé, il est clairement dirigé. On l’entend pourtant dire : “voici la musique ; maintenant, voyons comment enchaîner ces deux pas”. Il se place légèrement en retrait et demande aux danseurs de l’aider. Pour certains, c’est évidemment difficile, mais d’autres apprécient de mettre à contribution leur tête et leur corps. Les danseurs s’impliquent totalement dans sa chorégraphie. »

Cette connaissance des possibilités qu’offre la danse, sa façon d’engager l’esprit et le corps dans une exploration continue de la forme et du fond, permet à McGregor d’avancer sans cesse. Sa carrière continue à se diversifier et à se développer. En 2015, Woolf Works, ballet en trois actes basé sur les écrits de Virginia Woolf, que McGregor crée sans pour autant renoncer à son instinct d’exploration, remporte un tel succès que le chorégraphe sent que les opéras sont – enfin – prêts à adopter de nouvelles idées. « Nous sommes parvenus au point critique », explique-t-il. Le fait de placer ses danseurs aux côtés de ceux du Ballet de l’Opéra de Paris témoigne encore de ce sentiment de rapprocher deux mondes. « Je trouve épatant que ma compagnie s’imprègne d’une nouvelle énergie. Mais cela montre également que des compagnies comme le Royal Ballet et le Ballet de l’Opéra de Paris commencent à travailler différemment. Je ne crois pas être le seul à changer. Une nette transformation s’est amorcée. »