À la fin du xixe siècle, les berges des fleuves, le littoral et les plages imprègnent l’imaginaire des peintres impressionnistes, fascinés par la diffraction de la lumière à la surface de l’eau et la dissolution des formes et des couleurs dans les reflets. Clarté, légèreté et fluidité caractérisent également l’esthétique musicale qui s’affirme alors en France autour de la Société nationale de musique. Fondée en 1871 par Camille Saint-Saëns et Romain Bussine pour promouvoir un répertoire instrumental français face à l’hégémonie de l’opéra allemand, elle compte Gabriel Fauré et Ernest Chausson parmi ses membres actifs. Les deux oeuvres au programme de ce concert furent jouées dans ce cadre.

C’est entre les rives du lac d’Annecy et celles de la Méditerranée, à Nice, que Fauré compose le Quintette pour piano et cordes n°2 entre 1919 et 1921. Dans la lignée du cycle de mélodies « Mirages » (Cygne sur l’eau, Reflets dans l’eau, Jardin nocturne, Danseuse – 1919), l’oeuvre prolonge l’esthétique de « l’eau vivante et glissante » évoquée par Vladimir Jankélévitch dans Fauré et l’inexprimable. Le flux ininterrompu du piano irrigue le premier mouvement, entraînant un déploiement contrapuntique des cordes dans un élan sans cesse renouvelé. Le Scherzo, vif et nerveux, ponctué de pizzicati, explore des harmonies mouvantes qui contrastent avec le thème grave et recueilli de l’Andante. Le Finale retrouve une pulsation dansante, portée par un rythme chaloupé au piano qui conduit l’oeuvre vers une lumineuse affirmation.

À cette eau vive répond, chez Chausson, une mer intérieure, miroir de la séparation et de la perte. Créé en 1892 au terme de dix années de travail, à partir d’une adaptation de poèmes de Maurice Bouchor, le Poème de l’amour et de la mer est une « symphonie avec voix », donnée ici dans sa version pour voix et piano. Marquée par l’empreinte wagnérienne, l’oeuvre fait entendre deux leitmotivs dont les glissements harmoniques épousent les métamorphoses des flots et des sentiments. Le motif lumineux des « lilas en fleurs » domine la première partie traversée par la présence de l’être aimé, tandis que celui de « la mort de l’amour » y est exposé timidement avant de se déployer pleinement dès l’interlude et jusqu’à la fin de l’oeuvre. Celle-ci s’achève sur une résurgence du motif initial, écho désenchanté d’un amour « mort à jamais ».

Alice de La Bouillerie