Spectacles & Réservation

« Je suis obligé de mettre en quatorze jours un livret en musique. Je t’accorde une semaine pour me préparer le livret. Nous verrons qui a le plus de courage de nous deux. » Cette injonction de Donizetti à son librettiste Romani lance la composition de L’Élixir d’amour, sans doute le chef-d’œuvre comique du compositeur Italien.
La facétieuse production de Laurent Pelly transpose ce melodramma giocoso dans l’Italie des années 60 avec bottes de foin et vespas. Cette mise en scène est un savant mélange de fantaisie et de poésie, de l’arrivée vrombissante du docteur Dulcamara à la romance de Nemorino pour Adina, cette « furtiva lagrima » dont le charme n’a jamais cessé d’opérer. Cet Élixir d’amour, opéra belcantiste par excellence, est devenu un classique incontournable de l’Opéra national de Paris.

« Je suis persuadé que d’ici une dizaine d’années, Carmen sera l’opéra le plus populaire au monde » prédisait Tchaikovski en 1880. Au XXI^e siècle, l’ultime opéra de Bizet reste l’une des œuvres les plus célèbres du répertoire lyrique. Carmen est une femme aux multiples visages qui, confrontée à la complexité des rapports amoureux, souhaite vivre et se sentir vivre.
Calixto Bieito offre un nouvel écrin à cet opéra dans une mise en scène poussant les personnages dans les retranchements les plus obscurs de leur psyché. De l’héroïne de Mérimée, Carmen conserve les contours profondément ibériques et le tempérament brûlant de celle qui vit de petits trafics. Calixto Bieito interroge l’humanité des personnages et les déchargent du folklore et des clichés généralement associés au mythe. « Ma Carmen est faite de chair et d’os, elle n’incarne personne d’autre qu’elle-même : une femme de son temps avec son propre ADN. »

L’ultime tragédie lyrique de Gluck met en scène trois personnages tourmentés par ce que la psychologie contemporaine qualifierait de réactions post-traumatiques : Iphigénie, échappée au sacrifice exigé par la folie guerrière de ses compatriotes, Oreste, rongé par le remords d’avoir assassiné sa mère et le roi Thoas, obsédé par des visions cauchemardesques de sa propre mort. Le siècle des Lumières découvre dans la tragédie d’Euripide l’idée d’une humanité unifiée et constituée en opposition à la déraison divine. La tension incessante de la narration et l’efficacité dramatique d’une musique visant à devenir « une expression universelle des passions » confèrent à l’opéra un impact émotionnel qui marquera un tournant dans l’histoire du genre.
Dans la mise en scène de Krzysztof Warlikowski le mythe envahit un huis clos aux allures contemporaines, hanté par la mémoire de la guerre. Des personnages mythiques et réels s’y confrontent pour mettre fin au cycle perpétuel de la violence, dénominateur commun des destins humains. 

Hofesh Shechter, Jerome Robbins, Crystal Pite : trois visages singuliers de la danse réunis en un programme qui explore tour à tour la mémoire, l’amour et l’identité.
Dans The Art of Not Looking Back, Shechter ouvre la boîte de Pandore de son enfance et se confronte à neuf femmes, autant d’images de la mère absente, qu’il met en mouvement au rythme d’une musique saturée. Les Nocturnes de Chopin sont l’écrin élégant de In the Night où Robbins déploie trois duos sur fond de nuit étoilée, le temps d’une rêverie mélancolique qui se fond dans l’obscurité. Créé en 2016 à l’Opéra national de Paris, The Seasons’ Canon de Pite éclaire d’une lumière orageuse des grappes de corps humains : la chorégraphe donne vie à une matrice traversée d’échos qui se mêlent aux cordes de Vivaldi.

Précédé du somptueux Défilé du Ballet qui présente, des petits rats aux Étoiles, l’ensemble des danseurs de l’Opéra national de Paris, cette sixième édition du Gala fête l’ouverture de la saison de danse 2020/2021 en compagnie de trois chorégraphes, au cours d’une soirée mêlant classicisme et modernité.

Grand Pas classique de Daniel-François E. Auber et The Seasons’ Canon de Crystal Pite entraînent les spectateurs dans des univers émotionnels intenses et singuliers. En contrepoint, l’intemporel et mélancolique In the Night de Jerome Robbins met en scène trois duos amoureux, magnifiés par les Danseurs Étoiles du Ballet de l’Opéra national de Paris.

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

« Qui suis-je ? », s’interroge l’orphelin de Siegmund et Sieglinde, élevé par le perfide Mime. La quête d’identité et l’éveil de l’homme sont au coeur de Siegfried. De simple mortel à fougueux héros, le parcours initiatique de cet être pur l’amène à se mesurer à plus fort que lui. Victorieux de tous, Siegfried se retrouve en possession de l’anneau. Mais que saurait signifier la plus grande des richesses pour quelqu’un de désintéressé ? Il reste bien une chose que le téméraire n’a pas encore effleurée : la peur. Face à Brünnhilde endormie, Siegfried doit brutalement faire face à des craintes d’enfant jusqu’alors inconnues. C’est en ramenant la walkyrie à la vie qu’il deviendra adulte.
Et à l’amour, d’exister enfin.  

Concerts de musique de chambre par les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris    

Concerts de musique de chambre par les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris    

Concerts de musique de chambre par les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris.    

Cache-moi du Soleil dont les rayons sanglants m’effraient de leur éclat terrible. Sauve ta Fleur de Neige ! Le troisième opéra de Rimsky-Korsakov s’enracine dans l’imaginaire féerique des légendes populaires slaves. Fruit des amours de la fée Printemps et du vieil Hiver, Snegourotchka est envoyée au royaume fabuleux du tsar Berendeï pour parfaire sa connaissance du monde. Elle y découvre le désir amoureux, entraînant finalement sa propre mort sous les rayons du dieu soleil. Le récit abonde en symboles liés à l’éveil de la sexualité et aux rituels païens, sources d’inspiration récurrentes pour les arts de la fin du XIXe siècle.
Pour traduire l’univers merveilleux de ce conte initiatique, le compositeur fait appel à tous les ressorts de l’orchestre et s’inspire des couleurs des musiques populaires russes. Transposant l’action dans un univers qui semble surgir des souvenirs de son enfance, Dmitri Tcherniakov se sert de la nature allégorique du récit pour brouiller progressivement les frontières entre réalité et rêve. 

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

Un air de Russie parcourt cette soirée de danse et rend hommage à deux œuvres emblématiques des Ballets russes, réinterprétées par des chorégraphes contemporains.

Ancienne danseuse et collaboratrice artistique de la Batsheva Dance Company, Sharon Eyal se produit avec sa propre compagnie L-E-V depuis le succès de Love en 2003, œuvre dont la danse hypnotise les spectateurs. Pour sa première création avec les danseurs du Ballet de l’Opéra, la chorégraphe revisite la partition mythique de Claude Debussy. Après l’entrée au répertoire de son Faun en 2017, Sidi Larbi Cherkaoui continue d’explorer le répertoire des Ballets russes et se saisit de Shéhérazade. Tous deux décloisonnent les arts et offrent un nouveau regard sur la danse. En contrepoint, une partition de Rachmaninov est mise en mouvements par Frederick Ashton : Rhapsody met à l’honneur l’académisme classique et vibre par son dynamise et sa virtuosité.

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

Ignorant que la gloire de Siegfried est désormais derrière lui, Brünnhilde pousse son héros vers de nouveaux exploits et ainsi vers sa chute. Une fin que l’on devine inéluctable à mesure que se fait toujours plus éclatante la souillure qui entache le monde. Un monde où les valeurs morales sont renversées, où les plus purs sont trompés, y compris par les leurs. Déjà, dès le prologue de l’opéra, le fil de la vie tissé par les nornes ne s’était-il pas rompu ? Alors que l’anneau est rendu par Brünnhilde aux filles du Rhin, dans un geste final aussi salvateur que funeste, s’embrase le Walhalla. Ici s’achève la Tétralogie et avec elle le règne des dieux. Mais pour quel avenir ?   

Dans le prologue de la Tétralogie, tout le cycle est déjà prophétisé. Au son d’un accord tellurique à l’origine immémoriale, naît un univers mythologique hors du temps qui, à ce titre, trouve un écho dans toute époque. Car par‑delà l’histoire de l’or et de l’anneau de puissance disputé entre les dieux et les Nibelungen, ce sont le pouvoir et les sacrifices moraux consentis pour son exercice qui sont questionnés. Matière musicale et théâtrale sans égal, L’Or du Rhin ouvre L’Anneau du Nibelung.  

Dès le prélude, un orage gronde, suivi d’une tempête émotionnelle inextinguible jusqu’aux déchirants adieux de Wotan à sa fille Brünnhilde. Si dans La Walkyrie la passion est partout – plus forte que la haine, la jalousie et l’autorité divine – l’amour, lui, finit toujours par être étouffé. Dans un flux d’images aussi poétiques que subversives, confrontant Siegmund et Sieglinde au malveillant Hunding, et Fricka à son époux Wotan, Wagner cisèle des psychologies d’une rare profondeur. Des êtres qui, perdus dans leurs tourments et l’impossibilité d’accomplir leur dessein, sont dans l’attente d’un homme nouveau pour incarner un futur meilleur.  

« Je veux des sujets nouveaux, nobles, grands, variés et audacieux. Audacieux jusqu'à l'outrance, nouveaux dans la forme et se prêtant bien à la composition... », écrit Verdi en 1853. En s’emparant du célèbre roman La Dame aux camélias d’Alexandre Dumas, Verdi aborde dans une époque marquée par le patriarcat, l’histoire tragique d’un amour impossible entre une courtisane et un jeune bourgeois. Violetta est une femme passionnée, émouvante et scandaleuse, impuissante face au poids des conventions sociales.
Simon Stone, connu pour ses relectures et réécritures des grands textes classiques et pour ses scénographies hyperréalistes, s’empare de La Traviata et la replace dans le Paris d’aujourd’hui. Sa « Violetta 2.0 » s’impose comme un personnage public, qui évolue dans un milieu excessif, obsédé par le paraître, en quête d’une reconnaissance que les réseaux sociaux semblent promettre. 

« Qui suis-je ? », s’interroge l’orphelin de Siegmund et Sieglinde, élevé par le perfide Mime. La quête d’identité et l’éveil de l’homme sont au coeur de Siegfried. De simple mortel à fougueux héros, le parcours initiatique de cet être pur l’amène à se mesurer à plus fort que lui. Victorieux de tous, Siegfried se retrouve en possession de l’anneau. Mais que saurait signifier la plus grande des richesses pour quelqu’un de désintéressé ? Il reste bien une chose que le téméraire n’a pas encore effleurée : la peur. Face à Brünnhilde endormie, Siegfried doit brutalement faire face à des craintes d’enfant jusqu’alors inconnues. C’est en ramenant la walkyrie à la vie qu’il deviendra adulte.
Et à l’amour, d’exister enfin.    

Concerts de musique de chambre par les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris.      

Ignorant que la gloire de Siegfried est désormais derrière lui, Brünnhilde pousse son héros vers de nouveaux exploits et ainsi vers sa chute. Une fin que l’on devine inéluctable à mesure que se fait toujours plus éclatante la souillure qui entache le monde. Un monde où les valeurs morales sont renversées, où les plus purs sont trompés, y compris par les leurs. Déjà, dès le prologue de l’opéra, le fil de la vie tissé par les nornes ne s’était-il pas rompu ? Alors que l’anneau est rendu par Brünnhilde aux filles du Rhin, dans un geste final aussi salvateur que funeste, s’embrase le Walhalla. Ici s’achève la Tétralogie et avec elle le règne des dieux. Mais pour quel avenir ?     

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

Empreinte d’images étranges aux confins du rêve et du réel, l’œuvre de Jiří Kylián oscille entre onirisme et gravité : le chorégraphe tchèque interroge les rapports humains avec un humour parfois grinçant, sonde la trace fragile des cultures et la confusion des sentiments.

Doux mensonges, son premier ballet créé pour les danseurs de l’Opéra national de Paris, dépeint les trahisons douces et amères de l’amour à travers une déambulation dans les sous-sols du théâtre, arène de l’illusion. Avec Stepping Stones, Kylián rend hommage à la mémoire et à l’héritage de la danse ; sur scène, des chats égyptiens sont les gardiens de cette tradition. Deux pièces entrent au répertoire de la Compagnie, Petite mort et Sechs Tänze, clôturant cette soirée sur une note mozartienne.