« Je suis persuadé que d’ici une dizaine d’années, Carmen sera l’opéra le plus populaire au monde » prédisait Tchaikovski en 1880. Au XXI^e siècle, l’ultime opéra de Bizet reste l’une des œuvres les plus célèbres du répertoire lyrique. Carmen est une femme aux multiples visages qui, confrontée à la complexité des rapports amoureux, souhaite vivre et se sentir vivre.
Calixto Bieito offre un nouvel écrin à cet opéra dans une mise en scène poussant les personnages dans les retranchements les plus obscurs de leur psyché. De l’héroïne de Mérimée, Carmen conserve les contours profondément ibériques et le tempérament brûlant de celle qui vit de petits trafics. Calixto Bieito interroge l’humanité des personnages et les décharge du folklore et des clichés généralement associés au mythe. « Ma Carmen est faite de chair et d’os, elle n’incarne personne d’autre qu’elle-même : une femme de son temps avec son propre ADN. »

En participant à un atelier de pratique artistique quelques jours avant d’assister au spectacle, les enfants, les adolescents et leurs parents auront la possibilité de comprendre la démarche des artistes programmés à l’Amphithéâtre à travers la pratique du chant, de la danse ou du théâtre.

Modalités de réservation

• Atelier réservé aux détenteurs de billets du spectacle concerné
  
• L'atelier vous sera proposé lors de l'achat du billet de spectacle.
  
• Cet atelier est destiné aux enfants et aux adultes qui les accompagnent.
  
• Les enfants seuls ne sont pas admis.
  

Fondés en 1979 par William Christie, Les Arts Florissants sont l’un des ensembles de musique baroque les plus reconnus au monde. Fidèles à l’interprétation sur instruments anciens, Les Arts Florissants ont joué un rôle pionnier dans la redécouverte et la diffusion de la musique européenne des XVII^e et XVIII^e siècles, qu’ils s’attachent à faire redécouvrir dans toute son actualité. Sous la direction de William Christie et de Paul Agnew, ce sont ainsi plus de 100 concerts et représentations qu’ils proposent chaque année en France et dans le monde, sur les scènes les plus prestigieuses : productions d’opéra, grands concerts avec chœur et orchestre, musique de chambre, concerts mis en espace...

Les Arts Florissants sont impliqués dans la formation des jeunes artistes avec notamment l’Académie du Jardin des Voix pour les jeunes chanteurs, le programme Arts Flo Juniors pour jeunes instrumentistes et le partenariat avec la Juilliard School of Music de New York. Ils proposent également des actions d’ouverture aux nouveaux publics, destinées tant aux musiciens amateurs qu’aux non-musiciens, enfants comme adultes.

Toujours dans une même volonté de rendre le répertoire baroque accessible au plus grand nombre, Les Arts Florissants ont constitué au fil des ans un patrimoine discographique et vidéo riche de plus de plus d’une centaine de titres, parmi lesquels figure leur propre collection en collaboration avec harmonia mundi.

En résidence à la Philharmonie de Paris depuis 2015, l’Ensemble nourrit également des liens forts avec la Vendée, territoire de cœur de William Christie. C’est d’ailleurs dans le village de Thiré qu’a été lancé en 2012 le festival « Dans les Jardins de William Christie » en partenariat avec le Conseil départemental de la Vendée. Les Arts Florissants travaillent également au développement d’un lieu culturel permanent à Thiré. Cet ancrage s’est encore renforcé en 2017, avec l’installation du Jardin des Voix à Thiré, la création d’un Festival de Printemps sous la direction de Paul Agnew, le lancement d’un nouvel événement musical annuel à l’Abbaye de Fontevraud et l’attribution par le Ministère de la Culture du label « Centre Culturel de Rencontre » au projet des Arts Florissants. Janvier 2018 a vu la naissance de la Fondation Les Arts Florissants – William Christie.

Les Arts Florissants sont soutenus par l’Etat, la Direction régionale des affaires culturelles (DRAC) des Pays de la Loire, le Département de la Vendée et la Région Pays de la Loire. En résidence à la Philharmonie de Paris, ils sont labellisés « Centre Culturel de Rencontre ». La Selz Foundation, American Friends of Les Arts Florissants et Crédit Agricole Corporate & Investment Bank sont Grands Mécènes. www.arts-florissants.org

Concert de Noël

Vivaldi

"Vivaldi n’a pas écrit son fameux Gloria (RV589) comme une œuvre destinée au concert, malgré l’impression que peuvent en avoir donné certains voyageurs-chroniqueurs dont la présence à l’Ospedale della Pietà n’était parfois pas uniquement motivée par l’amour de Dieu… Son Gloria, aujourd’hui si célèbre, avait à l’origine pour cadre la célébration de la messe qu’interprétaient les orphelins et enfants abandonnés vivant à l’Ospedale della Pietà et dont les exploits musicaux étaient devenus l’une des principales attractions de la Venise du XVIII^e siècle. La pleine compréhension de toute œuvre du passé suppose la reconstitution juste de son contexte original. Ce contexte, qu’il soit associé à un événement particulier ou à une commande spécifique, fournit la raison pour laquelle le compositeur a posé sa plume sur le papier ; il inspire et définit les ambitions de l’œuvre. Cette reconstitution n’est cependant pas toujours chose facile. Les parties de messes parvenues jusqu’à nous sont peu nombreuses, en comparaison du nombre pléthorique de psaumes destinés aux Vêpres, ce qui nous incite à penser qu’une messe entièrement chantée constituait une occasion relativement rare pour Vivaldi et ses musiciens orphelins.

Parmi les quelques adaptations des parties de l’ordinaire de la messe réalisées par Vivaldi, on compte un unique Kyrie (RV 586), deux Gloria (RV 588/9) et un Credo (RV 591). Aucun Sanctus ni Agnus Dei n’ont survécu aux ravages du temps. Même les œuvres rescapées montrent des signes d’importantes influences extérieures. Dans les deux Gloria, on peut ainsi sentir la forte influence, quant à la forme et au contenu musical, d’adaptations d’un autre compositeur actif à Venise à cette époque : Giovanni Maria Ruggieri. Le Kyrie s’inspire de la mise en musique du Magnificat réalisée par Vivaldi lui-même ; l’introduction initiale pour cordes est une citation directe de son ouverture pour chœur et le Finale s’inspire de la fugue pour cordes de son Concerto Madrigalesco (RV 129). Le Credo (RV 591) trouve son origine dans la propre adaptation par Vivaldi de son In exitu Israel (RV 604) et emprunte son matériel thématique au même Magnificat que celui utilisé pour le Kyrie.

Nous nous sommes inspirés de ces emprunts pour reconstituer les parties manquantes de la messe – à savoir le Sanctus et l’Agnus Dei – et ainsi former cette messe ordinaire de Vivaldi. Nous les avons reconstituées en prenant la propre musique sacrée de Vivaldi pour modèle (exactement comme lui-même l’avait fait), ce qui nous a permis de réécrire la messe dans son intégralité et, pour la première fois, nous a donné l’occasion d’entendre la musique de Vivaldi (et en particulier son célèbre Gloria) dans le contexte de l’office pour lequel il avait été composé et qui lui avait servi de source d’inspiration. En étudiant les pratiques liturgiques de Venise à cette époque, nous avons donc pu reconstituer une messe entière, ce qui nous a permis de mieux percevoir l’impact de la musique éclatante de Vivaldi dans ce contexte. Il est important de se rappeler que malgré la réputation que Vivaldi avait acquise grâce à ses concertos et opéras, il était aussi un prêtre catholique pour qui, on le présume, la messe était une partie essentielle et constante de son rituel quotidien."

Paul Agnew (directeur musical des Arts Florissants)

« Peeping Tom », « Le voyeur » en anglais. Le nom de cette compagnie, créée en 2000 à Bruxelles par Gabriela Carrizo et Franck Chartier, traduit à lui seul la marque de fabrique de ses deux fondateurs : une danse théâtrale, proposant des relectures aussi oniriques que brutales des événements de la vie. Entraînés dans des univers aux décors hyperréalistes – mobile-home, cave, musée ou maison de retraite – le spectateur oscille entre tragique et burlesque, tendresse et angoisse, rêve et réalité. Le huis clos de situations familiales reste, pour Peeping Tom, une source importante de créativité : Moeder (Mère) est le deuxième volet d’une trilogie autour des membres de la famille qui a débuté avec Vader (Père) en 2014 et s’est achevée en 2019 avec Kind (Enfant). Peeping Tom se produit pour la première fois au Palais Garnier avec sa dernière création : Diptych, composé de The missing door et The lost room, une nouvelle adaptation des pièces créées pour les danseurs du Nederlands Dans Theater (NDT I).    

La mezzo-soprano française Karine Deshayes rencontre les artistes de l'Académie pour une master class publique à l'Amphithéâtre.

Conte pour enfants pour les uns, profonde méditation sur la vie et la mort pour les autres, le dernier opéra de Mozart est un feu d’artifice en forme de conte initiatique. S’y côtoient le prince d’un pays lointain à la recherche d’une princesse légèrement suicidaire, un serpent géant, un oiseleur fanfaron, la Reine de la Nuit et un mystérieux Grand Prêtre imposant d’étranges rites de passage… Inscrite dans la lignée de l’opéra-comique allemand et nourrie par la philosophie des Lumières, La Flûte enchantée convoque les grandes thématiques du XVIII^e siècle : l’éducation, la morale, la religion, la culture, la nature.
Dans une mise en scène élégante et épurée, c’est au fil des quatre saisons que le metteur en scène Robert Carsen tisse une réflexion sur l’existence, pour faire de la Mort « notre meilleure amie », rassurante et consolatrice.

Suites ténébreuses est un quintette tout en clair-obscur d’où émergent de l’ombre les monstres qui peuplent notre imaginaire d’enfant et ceux plus troublants qui perdurent avec l’âge. Baignés de la musique atmosphérique du trio montréalais Dear Criminals et de la lumière de Lucie Bazzo, la chorégraphie d’Hélène Blackburn mêle petites angoisses, étranges fascinations et vifs plaisirs.

Chaque année, les artistes de l’Académie ont le privilège de se produire sur la scène du Palais Garnier avec l’Orchestre de l’Opéra national de Paris. Cette soirée de gala est aussi un moment privilégié pour le spectateur qui découvre une nouvelle génération d’artistes lyriques dans l'une des plus belles salles du monde. C’est à Vello Pähn que revient la direction musicale de ce concert. Invité régulier de l’Opéra national de Paris, il commence par diriger La Belle au bois dormant au Palais Garnier en 1988. Apprécié du Ballet de l'Opéra national de Paris, il dirige aussi des œuvres importantes du répertoire lyrique comme Madame Butterfly en 2008 à l’Opéra Bastille. Il rencontre pour la première fois les artistes de l’Académie lors de la reprise de L’Enfant et les sortilèges de Ravel en janvier 2020 au Palais Garnier  

Opéra le plus populaire de son temps, encensé dès sa création, Le Trouvère illustre à lui tout seul la magie du genre lyrique. De retour sur la scène de l’Opéra Bastille dans la mise en scène de Àlex Ollé, l'un des six directeurs artistiques du collectif catalan La Fura dels Baus, cet opéra aux multiples rebondissements réunit tous les ingrédients dignes d’un roman de cape et d’épée : châteaux, soldats, bûcher, hors-la-loi...
Àlex Ollé a choisi d’inscrire l’action du Trouvère dans le contexte de la Première Guerre mondiale justifiant ainsi les situations extrêmes auxquelles doivent faire face les personnages : l’amour, la jalousie, la haine et le désir de vengeance… Le livret, dense et complexe, inspiré du drame espagnol d’Antonio García Gutiérrez, El Trovador (1836), est doublement transcendé par la beauté du chant et par l’ardeur visionnaire et tourmentée du metteur en scène.

Les élèves de l’ École de Danse de l’ Opéra national de Paris, dirigée par Élisabeth Platel, invitent à découvrir quelques étapes de leur apprentissage du métier de danseur : technique de la danse, chant et répétition d’ un ballet.

En participant à un atelier de pratique artistique quelques jours avant d’assister au spectacle, les enfants, les adolescents et leurs parents auront la possibilité de comprendre la démarche des artistes programmés à l’Amphithéâtre à travers la pratique du chant, de la danse ou du théâtre.

Modalités de réservation

• Atelier réservé aux détenteurs de billets du spectacle concerné
  
• L'atelier vous sera proposé lors de l'achat du billet de spectacle.
  
• Cet atelier est destiné aux enfants et aux adultes qui les accompagnent.
  
• Les enfants seuls ne sont pas admis.
  

Prima la musica o prima le parole ? Qui, de la musique ou de la parole, doit présider à l’écriture d’une œuvre lyrique ? Qui, d’Olivier ou de Flamand, réussira à conquérir le cœur de la comtesse Madeleine ? Car c’est elle qui fête son anniversaire aux environs de Paris, ce soir de XVIII^e siècle finissant. C’est pour elle que La Roche, directeur de théâtre, s’est adjoint les talents d’un poète et d’un compositeur.
Les personnages de Capriccio nourrissent un débat virulent au siècle des Lumières, qui donna son titre à l’opéra de Salieri : Prima la musica e poi le parole. De cette œuvre, Stefan Zweig tira l’idée de Capriccio. Privé de son librettiste avant même le début de la guerre, retranché, Richard Strauss poursuivit avec Krauss l’écriture de cette « comédie théorique » pleine de sensibilité et d’humour dans un monde où tout s’effondre.
Quand Robert Carsen s’empare de l’opéra, créé en 1942, il fait se rejoindre les Lumières et le Paris de l’Occupation, utilisant les miroirs, les perspectives et les mises en abyme suggérées par l’architecture de Charles Garnier. 

Précédé du somptueux Défilé du Ballet qui présente, des petits rats aux Étoiles, l’ensemble des danseurs de l’Opéra national de Paris, cette sixième édition du Gala fête l’ouverture de la saison de danse 2020/2021 en compagnie de trois chorégraphes, au cours d’une soirée mêlant classicisme et modernité.