Les artistes de l’Académie enchantent la scène du Palais Garnier dans un programme festif faisant la part belle aux opéra italiens et allemands avec notamment des extraits de L’Elisir d’Amore de Donizetti, de La veuve joyeuse de Franz Lehár et de La Chauve-souris de Strauss.

Composés en 1721, les six Concertos « brandebourgeois » ont été dédiés par Johann Sebastian Bach au Margrave de Brandebourg (grand-oncle du roi de Prusse Frédéric II, dit « Le Grand »). La dédicace, rédigée en français selon la coutume en usage en Prusse, donne le titre de « Six Concerts avec plusieurs instruments ». Chacun d’eux, en effet, présente un effectif instrumental différent, avec en particulier des solistes variables. Plusieurs modèles formels y sont utilisés et bien souvent mêlés, notamment celui du concerto « grosso » (alternance de deux groupes instrumentaux et dialogue entre eux) et celui du traditionnel concerto de soliste. Le nombre de mouvements et la structure générale sont également variables d’un concerto à l’autre. Au-delà-même de cette variété des formes, c’est la polyphonie de styles qui force l’attention : les esthétiques allemande (la règle du contrepoint), italienne (le goût de la pure virtuosité instrumentale) et française (l’utilisation de danses, ancrées dans le souvenir d’un Lully ou d’un Couperin) s’y voient en effet réunies. 

Composés en 1721, les six Concertos « brandebourgeois » ont été dédiés par Johann Sebastian Bach au Margrave de Brandebourg (grand-oncle du roi de Prusse Frédéric II, dit « Le Grand »). La dédicace, rédigée en français selon la coutume en usage en Prusse, donne le titre de « Six Concerts avec plusieurs instruments ». Chacun d’eux, en effet, présente un effectif instrumental différent, avec en particulier des solistes variables. Plusieurs modèles formels y sont utilisés et bien souvent mêlés, notamment celui du concerto « grosso » (alternance de deux groupes instrumentaux et dialogue entre eux) et celui du traditionnel concerto de soliste. Le nombre de mouvements et la structure générale sont également variables d’un concerto à l’autre. Au-delà-même de cette variété des formes, c’est la polyphonie de styles qui force l’attention : les esthétiques allemande (la règle du contrepoint), italienne (le goût de la pure virtuosité instrumentale) et française (l’utilisation de danses, ancrées dans le souvenir d’un Lully ou d’un Couperin) s’y voient en effet réunies. 

Les Quatre Saisons sont une suite de quatre brefs concertos pour violon d’une dizaine de minutes chaque, composés vers 1720. Chaque saison (Le Printemps, L’Eté, L’Automne, L’Hiver) comporte trois mouvements et est accompagnée d’un sonnet attribué à Vivaldi décrivant le déroulement des saisons. Sur la partition, le compositeur précise les correspondances avec les poèmes, explicitant même certains détails (aboiements de chien, noms d'oiseaux : coucou, tourterelle, pinson...). L'œuvre connut un grand succès dans toute l'Europe notamment à Londres et à Paris où les concertos furent interprétés au début de l’année 1728 au Concert Spirituel. C’est l'une des compositions les plus connues du genre « concerto » (ici, violon soliste concertant avec un orchestre de chambre à cordes). L’utilisation de cette musique pour le cinéma ou la publicité en a fait un véritable « tube ». De nombreuses transcriptions pour divers instruments (comme Richard Galliano avec son accordéon) se sont appropriées l’œuvre culte de Vivaldi. 

À l’occasion du 250e anniversaire de la naissance de Beethoven, les artistes de l’Académie interprètent quelques-unes des pages les plus emblématiques du maître de Bonn, en particulier le cycle de Lieder À la Bien-aimée lointaine, premier cycle du genre, et le Trio à l’Archiduc, témoignage bouleversant d’un homme que la surdité emmure dans une tragique solitude. 

Dernier « péché de vieillesse » de Rossini, la Petite Messe solennelle est écrite par le compositeur en 1863, plus de trente ans après sa retraite officielle. L’œuvre mélange plusieurs styles différents, allant des arias de pur bel canto aux références à l’écriture polyphonique ancienne. Rossini adressa une dédicace en forme de boutade au Créateur lui-même : « Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire, ou bien de la sacrée musique ? J’étais né pour l’opera buffa, tu le sais bien ! Peu de science, un peu de cœur, et tout est là. » Dans sa version originale, la Petite Messe solennelle requiert quatre solistes, un chœur mixte, deux pianos et un harmonium. C’est cette formation réduite qui lui vaudra le qualificatif de « Petite Messe » car, en durée, l’œuvre s’étend sur près d’une heure et demie. En 1867, Rossini orchestra sa messe pour un effectif instrumental plus important. C’est la première version qui est présentée lors de ce concert.

Concerts de musique de chambre par les musiciens de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris    

Eine Alpensinfonie

Bien avant ses opéras, c’est d’abord grâce à ses poèmes symphoniques (Ainsi parlait Zarathoustra, Mort et transfiguration ou Une vie de héros) que Richard Strauss conquit la gloire. Une symphonie alpestre fut sa dernière grande œuvre symphonique. C’est l’une des plus monumentales, par sa durée (presque une heure) comme par son effectif orchestral (plus de 120 musiciens). Le poème se présente d’abord comme une longue promenade dans les montagnes, avec un remarquable sens de l’évocation : on peut y entendre l'appel des cors alpins, les chants des oiseaux, les flots tumultueux du torrent, jusqu'aux tintements des clochettes d'un troupeau dans le pâturage. La musique décrit chronologiquement une randonnée depuis le lever du jour jusqu’à la tombée de la nuit. Richard Strauss lui-même accordait à son poème symphonique une signification beaucoup plus profonde, qui, d’une nuit à l’autre, nous confronte à la destinée humaine. Hommage au peintre suisse Karl Stauffer-Bern, qui se suicida à l’âge de 34 ans, c’est après la mort de Nietzsche, en 1900, que Strauss s’attela à cette œuvre grandiose qui devait s’appeler La tragédie de l’artiste.

Verklärte Nacht

Inspirée d'un poème de Richard Dehmel, La Nuit transfigurée s’inscrit dans la période encore « tonale » de Schönberg. On y sent l’influence de de Brahms et de Wagner. Composée pour sextuor à cordes en 1899, l’œuvre fit l’objet d’une transcription orchestrale réalisée par le compositeur lui-même. Bien qu’exposant un « programme », la partition n’illustre ni action ni drame mais se borne à dépeindre des sentiments humains. Elle met en scène la promenade nocturne d’un couple. La femme avoue à l’homme attendre un enfant d'un autre. L’amant insiste sur l'importance de sa maternité et lui assure qu'il est disposé à faire sien cet enfant. Ils marchent heureux, sous la lune, dans cette nuit transfigurée.

Sœur cadette de la compositrice et pédagogue Nadia Boulanger, Lili Boulanger fut la première femme à obtenir le Prix de Rome de composition musicale avec la cantate Faust et Hélène, alors qu’elle était tout juste âgée de 19 ans. Elle mourut prématurément à l’âge de 25 ans, des suites de la tuberculose. En dépit de sa courte carrière, elle a laissé de nombreuses œuvres (pièces orchestrales ou pour piano, orgue, violon, violoncelle, hautbois, flûte et surtout vocales), souvent d'inspiration biblique ou mystique, qui semblent marquées par son tragique destin. 

L’Opéra national de Paris poursuit sa collaboration avec la Grange au Lac pour la troisième édition du festival Voix d’Automne.

Soirée Purcell les 23 et 24 octobre à la Grange au lac, Évian à 20h00

Victor Hugo et la musique le 24 octobre au Théâtre du Casino, 

Évian à 11hMusic for a While le 25 octobre à la Grange au lac, Évian à 11h30

Les Quatre chants pour chœur de femmes op. 17 figurent parmi les premières compositions de Brahms. L’instrumentation comme le choix des textes (Ruperti, Shakespeare, Eichendorff, Ossian) sont de nature très romantique. De composition plus tardive, les Liebeslieder Walzer rendent un merveilleux hommage à la ville de Vienne et à la valse chère à Schubert et aux Strauss. Certaines valses sont écrites pour le quatuor vocal au complet alors que d’autres opposent une voix aux trois autres, vont par paires ou sont dévolues à la voix soliste.
Successeur de Saint-Saëns comme organiste à l’église de La Madeleine, Gabriel Fauré a dû assurer nombre de services d’enterrement. L’idée d’un Requiem s’est donc imposée à lui naturellement, peut-être renforcée par la mort de ses parents. Loin des Requiem théâtraux et romantiques en vogue au XIX^e siècle, il s’agit d’œuvre plutôt apaisée, lumineuse, qui a la particularité de ne pas contenir de Dies irae. Après une première version de chambre, Fauré réalisa une orchestration pour orchestre symphonique. Il en existe également une transcription pour orgue seul. C’est celle-ci que l’on entendra lors de ce concert.

À l’occasion du 75e anniversaire de Georges Aperghis, les artistes de l’Académie proposent un programme composé de pièces vocales et instrumentales emblématiques de l’écriture virtuose et ludique du compositeur des Récitations. 

Manière d’ancrer le Ballet de l’Opéra dans le monde pluriel d’aujourd’hui, Aurélie Dupont, directrice de la Danse, invite quatre chorégraphes contemporains au Palais Garnier. Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet, deux chorégraphes belges qui avaient créé Boléro en 2013, reviennent cette fois-ci pour offrir chacun une création, le premier sur une musique de Woodkid, le second sur une musique de Koki Nakano. Tess Voelker, jeune danseuse et chorégraphe américaine de vingt-trois ans qui œuvre au sein du Nederlands Dans Theater depuis 2017, propose une première pièce pour les danseurs du Ballet au rythme d’une chanson de Nick Drake. Enfin, accompagné du musicien Guillaume Alric, le français Mehdi Kerkouche, chorégraphe et metteur en scène, entraîne les spectateurs dans son univers hip-hop.

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

Johannes Brahms fut un compositeur extrêmement prolifique dans le domaine du chœur. Son expérience de la direction chorale (Singverein de la Gesellschaft der Musikfreunde de Vienne de 1872 à 1875, ensembles de Detmold et de Hambourg à la fin des années 1850) lui assura une parfaite maîtrise des problématiques vocales. Les cycles de chœurs mixtes reflètent l’expression romantique allemande dans ses thèmes traditionnels, et notamment les diverses facettes du sentiment amoureux. Dans cette formation, l’imagination de Brahms se révèle sans limite et le compositeur fait preuve d’une grande science du contrepoint et de la polyphonie.
Compositeur emblématique de la musique romantique allemande, Franz Schubert est reconnu comme le maître incontesté du Lied. Il fut le premier compositeur à attacher autant d’importance au genre, non seulement par la quantité – il en composa pas moins de 600 – mais parce que l’esprit du Lied imprègne toute son œuvre instrumentale. Sa sensibilité raffinée a trouvé un terrain d’élection parmi les grands thèmes chers au Lied : errance, solitude, séparation, amour contrarié et mort libératrice.

Du Barbier de Séville à la Cenerentola de Rossini en passant par La Traviata de Verdi, les artistes de l’Académie se retrouvent sur la scène du Palais Garnier pour un grand récital aux allures de conte chanté, mêlant le rire et le fantastique aux plus grandes histoires d’amour.

Mozart compose ce Singspiel à l’âge de douze ans. Mirabelle Ordinaire transporte l’univers pastoral de cette œuvre de jeunesse dans une fête foraine contemporaine où le magicien Colas joue de ses ruses pour réunir les deux amoureux. 

Les artistes de l’Académie, chanteurs et pianistes-chefs de chant, proposent un récital qui fera découvrir la variété des tessitures vocales à travers des airs, des mélodies et des ensembles.