Les musiciens de l’Académie et de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris proposent aux élèves plusieurs rendez‑vous, autant d’occasions d’approcher des répertoires variés, et parfois insolites, et de faire connaissance avec quelques instruments.

Au programme de ce récital des mélodies de Tchaïkovski, Rimski-Korsakov, Rachmaninov ainsi que les Chansons juives de Chostakovitch, une suite de 11 pièces tirées de la poésie populaire juive.

Victor Hugo a fasciné de nombreux compositeurs. Ce récital est l’occasion de redécouvrir son œuvre.

En participant à un atelier de pratique artistique quelques jours avant d’assister au spectacle, les enfants, les adolescents et leurs parents auront la possibilité de comprendre la démarche des artistes programmés à l’Amphithéâtre à travers la pratique du chant, de la danse ou du théâtre.

Modalités de réservation

• Atelier réservé aux détenteurs de billets du spectacle concerné
  
• L'atelier vous sera proposé lors de l'achat du billet de spectacle.
  
• Cet atelier est destiné aux enfants et aux adultes qui les accompagnent.
  
• Les enfants seuls ne sont pas admis.
  

Dans cette pièce conçue pour le Ballet de l’Opéra en 1994, le chorégraphe Angelin Preljocaj réussit un subtil équilibre entre souffle classique, porté par la musique de Mozart, et modernité de son langage chorégraphique. Les décors ciselés évoquent l’élégance et la délicatesse des jardins « à la française » et les costumes s’inspirent de ceux du siècle des Lumières. Évoluant au gré d’une carte imaginaire du Tendre, guidés par d’étranges jardiniers, les danseurs s’éveillent à l’amour, de la rencontre aux jeux de séduction, de la timidité à l’attirance, de la résistance à la douceur de l’abandon dans l’envol d’un sublime pas de deux. Aujourd’hui encore, cette oeuvre intemporelle interroge le cheminement des sentiments et explore les codes amoureux.  

Je veux un trésor, qui les contient tous ! Je veux la jeunesse ! Frustré par la quête futile du savoir, le vieux savant Faust vend son âme au diable en échange de la jeunesse éternelle et de la belle Marguerite… Gounod retravaille le mythe popularisé par Goethe pour s’attacher à l’histoire d’amour et magnifie la chute et le salut final de Marguerite. Son choix d’alléger la portée philosophique du récit lui permet de trouver un équilibre entre les scènes où le surnaturel fait appel au grand spectacle et un univers réglé par l’intériorité de l’action et des sentiments. La partition de Gounod est un tour de force d’invention mélodique, révélant dans l’écriture vocale l’art du compositeur à transmettre une émotion sincère et immédiate.

Pour ses débuts à l’Opéra national de Paris, le metteur en scène allemand Tobias Kratzer livre une réflexion sur l’obsession pour la jeunesse éternelle de la société contemporaine. Grâce à un dispositif scénique élaboré, sa mise en scène oscille entre hyperréalisme et magie, entre le monde d’aujourd’hui et l’atmosphère mystérieuse du romantisme allemand.   

Dans la suite de O U I #1, Régine Chopinot est invitée à poursuivre sa résidence à l’Académie. Tout au long de la saison, des ateliers de pratique chorégraphique accueillent des personnes en situation d’exil, en apprentissage de la langue française ou en situation de précarité. Via la danse, alliant le geste à la parole, ce projet a pour objet de transmettre des outils d’épanouissement personnel, humain et sociétal. Il met l’accent sur l’oralité et le mouvement, favorise la prise de conscience du corps et de la langue, à la fois langage d’une communauté partagée et expression de sa singularité. Apprivoiser les corps, les nommer pour retrouver une unité, nommer l’espace aussi pour s’y sentir au coeur. Ce projet trouvera sa réalisation finale lors d’une restitution publique à l’Amphithéâtre Bastille, aboutissement d’une semaine de création. Cette soirée sera aussi l’occasion de découvrir les images du second documentaire réalisé par Jean-Baptiste Warluzel.

Pingouin* c’est l’histoire d’un voyage. Celle d’un pingouin partant à la découverte du monde, à la recherche de ses limites. Avec poésie et humour, Virgile Dagneaux associe danse, mime, claquettes pour ce conte sans paroles.

Les mélodies les plus joyeuses ont bien souvent été composées sur des rythmes de danse, tango, valse, foxtrot, boléro...

Les musiciens en résidence proposent un programme de musique de chambre qui fait appel à différentes combinaisons instrumentales, du solo au quintette, en plaçant le quatuor au coeur du concert.

Première pièce de Roland Petit créée pour le Ballet de l’Opéra de Paris en 1965, Notre-Dame de Paris réunit tous les ingrédients du grand spectacle. Le ballet s’inspire du chef-d’œuvre de Victor Hugo, avec ses personnages hauts en couleur : la belle Esmeralda, l’attachant Quasimodo, le machiavélique Frollo et le cynique Phoebus. Yves Saint Laurent signe des costumes colorés et graphiques dans les décors du peintre René Allio qui restituent la splendeur de la cathédrale parisienne. La chorégraphie traduit toute la force expressive de ces personnages confrontés à une histoire d’amour et de mort, entourés de l’ensemble du Corps de Ballet. À l’occasion du dixième anniversaire de la disparition du chorégraphe, la Compagnie redonne vie à cette magnifique fresque dansante, sur la scène de l’Opéra Bastille. 

Les musiciens de l’Académie et de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris proposent aux élèves plusieurs rendez‑vous, autant d’occasions d’approcher des répertoires variés, et parfois insolites, et de faire connaissance avec quelques instruments.  

Les danseurs Shihya Peng et Marco Di Nardo évoquent l’histoire universelle de la rencontre avec l’autre, ses différences, ses origines, sa famille. Hip hop, acrobaties et dialogues se croisent, W.A.M. invite l’humour à enchanter la scène.

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

Dirigée par Élisabeth Platel, l’École de Danse de l’Opéra national de Paris présente son spectacle annuel. À l’occasion des dix ans de la disparition de Roland Petit, lui-même enfant de l’École, les jeunes élèves remontent son premier ballet, Les Forains, qui met en scène une troupe itinérante sur une musique d’Henri Sauguet. Les élèves danseront également Aunis de Jacques Garnier, Réversibilité (Pas de trois) de Michel Kelemenis et Napoli (Pas de six et Tarentelle) d’Auguste Bournonville : autant d’interprétations différentes de la technique classique telle qu’enseignée à l’École.  

Concert de l’Orchestre et des Chœurs de l’Opéra national de Paris  

Inspiré de la pièce éponyme de Victorien Sardou, l’opéra de Puccini réunit tous les éléments du mélodrame : amour, politique, violence et religion. Tosca, c’est le drame d’un amour contrarié entre une chanteuse passionnée, jalouse et impulsive, et un peintre romantique, idéaliste et défenseur de libertés, sur fond de lutte pour l’Indépendance italienne. Dans une époque troublée par la bataille de Marengo, opposant l’armée républicaine française menée par Napoléon Bonaparte à l’armée impériale du Saint-Empire, le terrifiant et manipulateur Scarpia, chef de la police, propose un marché à la cantatrice : la liberté pour son amant Mario contre une nuit avec lui. Pour lui échapper, elle l’assassine. Il se vengera post-mortem.
Dans un paysage pasolinien, plane l’ombre écrasante d’une croix, figure de la collusion des oppressions politique et religieuse. Par l’omniprésence des références religieuses qui apparaissent autant dans l’espace privé que public, la lecture du metteur en scène Pierre Audi pose avec habileté les lignes du drame.

"Cette nuit Tarquin m’a violée Il a déchiré l’étoffe de notre amour Ce que nous avions tissé, Tarquin l’a déchiré. Ce que j’ai dit, jamais ne pourra être oublié Mon amour, notre amour fut trop rare Pour que la vie puisse le supporter… et que le destin puisse s’abstenir de le souiller. Pour moi cette honte, pour toi cette douleur." Lucrèce

En composant en 1946 Le Viol de Lucrèce, d’après une pièce d’André Obey, Britten et son librettiste, pacifistes convaincus et engagés depuis bien avant la guerre, s’adressent à une société européenne meurtrie par la guerre et la haine. En renonçant à la grande machine opératique, ils abordent pour la première fois la forme plus intimiste de l’opéra de chambre. Britten écrit en effet pour un petit effectif de musiciens et de chanteurs‑acteurs expressifs dans un langage musical et théâtral où la force de la narration prime sur l’illusion scénique. Britten reprend à son compte le mythe de l’épouse vertueuse et suicidaire en écrivant une partition d’une puissance d’évocation exceptionnelle qui interroge le désir et son vertige d’angoisses sous toutes ses formes : l’amour réciproque, les envies coupables et la frustration. Britten invite à réfléchir sur la violence des rapports humains, sur la sexualité et ses zones d’ombre. Par la force de l’incarnation de son héroïne‑victime, Britten nous place devant le tragique de la condition humaine.

À l’heure du déjeuner, des musiciens de l’Orchestre et des artistes des Choeurs de l’Opéra national de Paris vous proposent des concerts précédés d’introductions. Le programme complet est disponible sur operadeparis.fr à partir du 1er septembre.    

« Le sujet du Soulier de satin, c’est celui de la légende chinoise des deux amants stellaires qui, chaque année, après de longues pérégrinations arrivent à s’affronter, sans jamais pouvoir se rejoindre, d’un côté et de l’autre de la voie lactée », résumait Paul Claudel. La pièce, dont le pouvoir d’attraction ne s’est jamais démenti, occupe une place à part dans le répertoire théâtral du XX^e siècle : écrite entre 1919 et 1924, elle fut créée par Jean-Louis Barrault en 1943 dans une version abrégée et dut attendre Antoine Vitez pour être jouée dans son entier : le spectacle donné dans la cour du Palais des papes en 1987 durait plus de dix heures et marqua toute une génération de spectateurs, parmi lesquels Marc-André Dalbavie.
Sous-titré Le pire n’est pas toujours sûr, Le Soulier de satin est une immense parabole faisant alterner le sublime, le comique et l'inquiétant, déployée dans une époque – le Siècle d'Or espagnol – où l'humanité fait l'expérience d'une première « mondialisation ». Confrontant désir passionné du bonheur individuel, injonction de l’impératif extérieur et aspiration à l'universel, l’œuvre installe le spectateur entre hypnose et allégresse pendant plusieurs heures. Ce nouvel opéra est la troisième des créations mondiales commandées par l’Opéra national de Paris composant le cycle sur la littérature française.

Deux obsessions ne peuvent pas exister dans le même esprit, comme deux corps dans le même espace », écrit Pouchkine dans La Dame de pique en 1834. Une nouvelle où le jeune Hermann, avide d’ascension sociale, obsédé par une formule magique détenue par une vieille Comtesse qui lui permettrait de gagner aux cartes, sacrifie son amour pour Lisa. L’opéra qu’en fit Tchaikovski en 1890 dresse un portrait amer de la génération des dernières années de la Russie tsariste. Les rues, les rives et les bals de Saint-Pétersbourg émergent d’une partition qui cherche délibérément à restituer les formes musicales du XVIII^e siècle, ne sacrifiant pourtant rien à ce lyrisme fervent qui distingue l’écriture de Tchaïkovski. C’est aussi le portrait du compositeur qui est suggéré dans l’évocation de cette ville de l’extrême nord, coupée de la terre et, par-là, de la raison. La privation de la raison, Lev Dodin la souligne en inscrivant les personnages dans un asile où les visions fantomatiques hantent les âmes perdues aussi obsessionnellement que résonne chez Hermann la combinaison trois, sept, as.